Cine 2025

El año 2025 da la impresión de que tampoco cambiará la historia del cine, más bien al contrario así que voy ha dedicarle un breve prefacio a las películas que, estrenadas en 2024, he visto éste año para luego pasar a el año que agoniza. 

"El jurado número 2"

Puede que sea el testamento del actor, productor y realizador Clint Eastwood y podemos decir con seguridad que, de ser así, "El jurado n°2" va a ser una despedida extraordinaria. Tratando temas tan importantes como la justicia, la verdad y la fatalidad pueden afectar a la vida de la gente. Hoy día es extraño ver un film tan "adulto", donde no se plantean preguntas sino que ya se da todo masticado, además de ofrecerte malos y buenos elementales y sin matices. Excelente descripción de lo injusta que puede llegar a ser la mal llamada "justicia popular". 

"La sustancia" (Coralie Fargeat) es una de las películas que mayor impacto logró la pasa temporada y he de decir que lo entiendo. Sus imágenes y su desarrollo nos recuerdan que vivimos tiempos en los que el cine busca epatar haciendo que los actores (especialmente las actrices) hagan barbaridades en pantalla, se desnuden y humillen: es un signo de los tiempos. Más allá de eso, poco aporta a su visión sobre el tema del envejecimiento, la "eterna juventud", la televisión y el famoseo, que no se haya visto antes por más que hay que reconocer a las protagonistas su esfuerzo físico e interpretativo. 

Bien hubiera hecho el gran Francis Ford Coppola retirándose de la dirección antes de rodar "Megalópolis" gigantesco desastre cinematográfico, cansino, vacuo, hortera y con exageradas interpretaciones. Lo peor de todo es que se nota lo que Coppola quería contar mas lo hace tan mal que el resultado es patético. Sólo salvo al desaforado Shia Lebeouf (único que parece entender que todo esto es una patochada) y alguna escena que recuerda a la épica saga de El Padrino (la escena del niño que dispara al protagonista en el taxi o alguna conversación en horteras despachos). Por desgracia, tiene el peor defecto que podría tener cualquier obra cinematográfica: aburre.

Y para continuar, ahora sí, las películas de 2025: 

Una película de Minecraft (Jared Hess)

Adaptación del famoso videojuego, que ofrecía múltiples posibilidades para una trama imaginativa. Empero, el film de Hess es más un vehículo para el lucimiento de su productor ejecutivo y protagonista Jason Momoa, que disfruta haciendo el tonto junto a un gritón Jack Black. El resto del elenco es aún peor y está para la cuota de minorías pero le salva la agilidad de la trama, la fidelidad al videojuego y los personajes animados. Un éxito tan efectivo como olvidable. 

Jurasic Word: el renacer (Gareth Edwards)

La séptima película de la franquicia jurásica es, como cabía esperar, la peor de todas. El regreso de David Koepp al guión y un realizador especializado en films de "monstruos" no evitan un naufragio total, previsible, largo y con horrendas interpretaciones. Ni siquiera los dos anteriormente citados se salvan: Koepp ha fusilado los dos momentos del libro de Crichton que no se habían utilizado todavía (el ataque del Rex a en un río y en una cascada) además de repetir otros de sobrada efectividad; Edwards hace lo mismo con el (primer) film de Spielberg y logra ahí los únicos momentos destacables (la escena de la cocina, aquí gasolinera) ya que ni el ataque del dinosaurio en mar abierto funciona como debería. Lo de que se vea venir quién es el malo, quién morirá etc. no es más que la guinda a un film que, pese a todo, ha sido un taquillazo.

Drazen (Danilo Serbedzija y Ljudo Zdjelarevic)

Biopic del extraordinario y explosivo baloncestista, Drazen Petrovic, este film croata no es quizás lo que podía esperarse dado lo jugoso del carácter del biografiado pero resulta interesante por un par de cuestiones. La primera es infancia y adolescencia del Genio de Sibenik, donde surge el conflicto con su padre, que no le quería jugando al baloncesto sino estudiando (cosa que hizo) y tocando la guitarra española. El otro punto positivo es la mirada a la vida sentimental de Drazen, especialmente su relación con la bella Renata Cajic, primera novia que le dejó al no soportar la vida en EE.UU. y la dependencia maternal de Drazen. 

En el debe, obviar el carácter airado cuando no chulesco de él y su hermano ante los rivales, especialmente Sabonis y Fernando Martín. El actor Domagoj Nizic está bien caracterizado pero le falta el histrionismo de Petrovic en la cancha. Cómo film sentimental, funciona; como recreación de época, a medias; como fidelidad a realidad, apenas. 

"Mercato" (Tristan Séguéla)

Film ambientado en los entresijos del fútbol, en este caso los representantes lo cual le da un cierto interés. Protagonizada por el actor franco -marroquí Jamel Debbouze, cuya presencia física le añade un punto de patetismo (pequeño, feo y manco) dramático, mezcla acertadamente comedia, drama y thriller con una interesante premisa: un representante en horas bajas es amenazado de muerte si no salda una deuda y tiene ocho días (hasta el cierre del mercado del título) para obtener una comisión que le saque del apuro. Sus únicos futbolistas son un niño prometedor pero inmaduro y un futbolista del PSG castigado por su entrenador (Joaquim de Almeida, haciendo de una especie de Mourinho) le tiene castigado por bala perdida. Nada parece salirle bien y para más inri aparece su hijo vegano y ecologista a tocar las narices. Sin ser nada del otro mundo (abundan los tópicos) tiene buen ritmo, momentos creíbles (ése delantero francés del Real Madrid al que intentará convencer de que se vaya a Arabia) y hasta te ríes. Un film que demuestra cómo la industria del cine francés puede hacer entretenimiento.

Bueno, hasta aquí llegó para este blog, 2025, espero que el próximo año sea mejor para todos.

¡Feliz Navidad y prosperidad en 2026!

Adiós, MTV

 La noticia del cese de emisión de MTV como cadena de TV musical (continuarán como TV centrada en telerrealidad) lleva a éste blog ha realizar el enésimo ejercicio de nostalgia y recordar lo que fue, en su momento, está vanguardista y originalísima cadena la cual ha "muerto" precisamente por el cambio en los gustos televisivos y, sobre todo, de consumo musical (Spotify, tik tok, etc.). No obstante, aprovecharemos la oportunidad para dar un breve repaso a algunos de sus mejores vídeos o al menos los que más gustan a un servidor.

Sing it back, Moloko (1998)

El dúo Moloko, surgido en plena moda del dance electrónico, tiene en éste temazo su mayor éxito.  Formado por la lo irlandesa Róisín Murphy y el inglés Mark Bryon, une elegancia y ritmo. Además, está el modelito futurista de Róisín, que también es diseñadora de ropa, que le da el punto justo futurista. Siempre me gustó la música House que no-machacona.

El video, bonito y sencillo, lo dirige Dawn Shadford, prolífica directora de videoclips de, entre otros: Garbage, Oasis, Jamiroquai o Kylie Minoge.

Clint Eastwood, Gorillaz (2001)

Primer sencillo de la banda virtual Gorillaz, es uno de esos vistoso videoclips de animación, que son auténticas minipelículas para adultos que permiten una gran creatividad más allá incluso de la propia canción.

Dirigido por el creador de los propios avatares que forman el grupo, el dibujante e ilustrador Jamie Hewlett (Tank girl) y Pete Candeland, es tan impactante como divertido, un cocktail de diversos estilos, como la misma canción que debe su nombre a su inspiración en la música de Morricone (esos gritos al comienzo, ah-ah-ah). Por cierto que esta gente da conciertos, vivir para ver.

Do the evolution, Pearl Jam (1998)

Éste espectacular videoclip animado es el perfecto ejemplo de lo que la MTV llegó a ser: audacia, calidad técnica, polémica y buena música. Dirigido por Kevin Altieri, un señor de gran prestigio por la excelente serie animada de "Batman" y algún trabajo para series más adultas, cuenta con él asesoramiento de Todd McFarlane, famoso dibujante de cómics, creador de Spawn y de una imagen tan original como polémica de Spiderman, el escaso tiempo que fue su responsable gráfico.

Hoy día este auténtico viaje de imágenes impactantes es imposible de ver ni en TV de pago, y eso que es un clip que ganó un Grammy. Es también un perfecto producto de su tiempo, de una banda y de un estilo, el gruge (aquí más rock duro) que pasó a mejor vida pero nos dejó su pesimista visión del pasado, presente y futuro.

Honey, Moby (1998)

Moby tuvo su momento, antes de que se le fuera la pinza. Éste videoclip, dirigido por Roman Coppola, de los Coppola con solera, es un ejemplo de habilidad técnica y desarrollo sin sentido que te permite el lenguaje videoclipero. 

La canción es una de esos plagios, ahora las llaman sampleos, de una canción blues que, seguramente, es más aburrida y triste que está repetitiva pero ultracool canción del que se decía (erróneamente) pentanieto del autor de "Moby Dick". Simplemente su padre le llamaba Moby porque llamarle Richard Melville era muy largo.

Point of view, DB Bulebard (2002)

La desaparecida banda italiana DB Bulebard fue una de tantas que en los años 90 y primeros 2000 lograron miniéxitos en música bailable y a la vez escuchable (no como el infausto bakalao, trans y de más rayadas para pastilleros). Siempre era lo mismo: un grupo de productores especialistas en música electrónica y un grupo con solista negra de gran voz (ejemplo: Alex Gaudino y Cristal Waters para la mítica "Destination Calabria")

Éste videoclip destaca por su primitivo uso de animación por ordenador, algo tosca pero imaginativa, que además cuenta una historia, pues la narrativa no está reñida con el baile. Música para escuchar en el último garito antes de volver a casa a dormirla. Recuerdos de otros tiempos.

Y aquí termina el repaso. Ya sé que no hay videoclips famosos ni de intérpretes estelares pero creo que son representativos de un época en la MTV todavía era verdadera vanguardia y no se había convertido en instrumento de las modas (y negocios) LGTBi, ecologista y feminista. 

Go woke, go broke.

Parque Jurásico, la novela

Portada de la primera edición en España, año 1991.

Cuando una novela logra un enorme éxito al realizarse su adaptación al cine/ televisión, es inevitable la comparación, por más que (como es el caso) dicha novela ya fuese un gran éxito en su publicación, sólo dos años antes del inicio del rodaje del film. 

Hay muchas maneras de analizar "Parque Jurásico", la novela, y una de las más fáciles es la comparación con la película mas no me parece justo centrarme en ello pues la obra de Crichton tiene, por sí misma, suficientes alicientes a tener en cuenta.

Empezando por el propio autor, Michael Crichton, el cual era, en aquél momento, el escritor de moda y sus obras, esperadas con enorme expectación en todo el mundo, incluido Hollywood, el cual ya había adaptado varias de sus obras al cine (La amenza de Andrómeda, Westword, El primer gran asalto al tren) con bastante éxito. En ellas se advierten rasgos personales como su preocupación por los avances científicos mal aplicados o la meticulosidad en la descripción de las acciones que hace siempre, eso sí, de una forma amena y didáctica.

Heinz R. Pagels inspiró al autor para el personaje de Malcolm 

Volviendo a "Parque Jurásico" una de las cosas que más llaman la atención es la gran desconfianza de Crichton hacia la tecnología, mitad por el mal uso que le da el hombre, mitad su propia imprevisibilidad. Aquí es donde toma forma la llamada teoría del caos que aquí defiende el matemático Ian Malcolm, en la novela un personaje muy parecido al de la película, pero que le sirve al autor para ir desmenuzando la trama: cada paso en dicha teoría es un paso hacia el desastre en la historia que se nos cuenta. También relacionado con ello, llama poderosamente la atención la crítica nada velada de Crichton hacia la investigación poco ética desde las grandes corporaciones en el campo de la genética y, por otro, a unas universidades descoordinadas y sin capacidad para lograr grandes avances. Por último, es el Gobierno y sus regulaciones el blanco de las críticas del autor (de la boca del personaje de Hammond).

Es imposible crear un mínimo suspense ni interés en temas científicos y tecnológicos si no hay una trama unos personajes interesantes y Crichton los sabe desarrollar. Quizás el abogado Gennaro o Ed Regis (publicista que visita el parque, desaparecido en el film homónimo) no tienen la suficiente consistencia pero los principales sí: el cínico y profético Malcolm, siempre dispuesto a ofrecer un comentario jocoso - brillante; Hammond, un personaje que ambiguo, que no parece estar muy en contacto con la realidad de lo que ha creado y con excesivos aires de grandeza; los niños Tim y Lex (en el libro el niño más mayor que la niña), afectados por el divorcio de sus padres; Grant, personaje que pone en práctica sus conocimientos paleontológicos y de supervivencia aquí con el detalle dramático de su viudedad. Arnold, Wu, Sattler o Muldoon son menos importantes no obstante son también necesarios para desarrollar la trama y generar suspense por su suerte pues, aviso, ninguno de ellos está libre de ser "comida para dinosaurios".

Ilustración de la novela. 

Mas, evidentemente, son los animales que pueblan el parque los auténticos protagonistas. La mirada del autor para con ellos es seria, realista, poniendo de relieve que no dejarán de ser animales salvajes y como tales se comportan. También resalta como, en el momento de total libertad, entre ellos se logra un "equilibrio" como si se tratara de la selva, entre depredadores y presas. Destacan los feroces carnosaurios , T-rex a la cabeza, pero también los taimados velocirraptores, que matan por deporte o los, aparentemente, inofensivos microceraptos, que causan estragos dentro y fuera del parque. Porque ése detalle es clave, la incapacidad del hombre (la empresa Genetics Palo alto, más concretamente) para controlar su negocio y es que, lo que crearon en realidad, no fueron realmente dinosaurios.

Como era de esperar, la novela fue un best seller, obtuvo buenas críticas y fue rápida y exitosamente adaptada al cine con cambios sensibles en la trama aunque no en el espíritu. A mi modo de ver, la película es menos cruda (busca al gran público) y los personajes son en general más simpáticos (Hammond especialmente). Algunos no mueren en el libro y sí en la película pero también al revés, desaparecen dinosaurios y cambia el prólogo mas, como digo, la adaptación es óptima.

Para finalizar una curiosidad: el personaje de Malcolm en la novela muere pero para la secuela escrita por el propio Crichton fue "resucitado" (llegó vivo a tierra) y la magia de la ficción permite estas cosas.

Poe a la europea

 

Jane Fonda en "Metzengerstein" de Vadim.

Hubo un tiempo en el que las películas de episodios estuvieron de moda, sobre todo en Europa. Eran una magnífica oportunidad de ver juntos a grandes realizadores y de que estos ofrecieran una versión condensada, relajada o incluso rompedora, de su propio estilo. Éste es el caso de "Historias extraordinarias" (Roger Vadim, Louis Malle, Federico Fellini) estrenada en el convulso 1968.

Las tres historias son libres (en algun caso muy libres) adaptaciones de relatos de Edgar Alan Poe. La primera, a cargo del francés Roger Vadim es, como cabía esperar del realizador, la más vistosa visualmente. Aquí vemos a una Jane Fonda en su plenitud, interpretado a una cruel condesa de impronunciable apellido. Mujer dedicada a la lujuria, la crueldad sádica contra sus vasayos, ve como todo empieza a tambalearse a su alrededor cuando trata de domar un salvaje caballo negro que arrebató a su primo Berlifitzing (Peter Fonda). Tras la muerte de éste, provocada accidentalmente por su prima, se le aparecerá en el bosque y pronto le hará dudar de su cordura. Un elemento importante en el relato de Poe era la pintura que la condesa (conde en el libro) mandaba pintar y que aquí se convierte en un tapiz que sólo cobra relevancia hacia el final. Historia irregular, repleta de imágenes bellas y turbadoras, tiene en los Fonda (Jane y Peter) y en la dirección artística sus puntos fuertes dentro de un conjunto  irregular.

Delon y Bardot en "William Wilson" de Malle.

"William Wilson", dirigido por Louis Malle, parte de la siempre interesante premisa del doble malvado además aquí beneficiado del flash back con el que comienza la historia: Wilson (Alain Delon), entra sudoroso y asustado a una iglesia exigiendo confesión a un asustado sacerdote. Desde aquí nos cuenta si vida, desde su educación en una escuela militar hasta su llegada a la iglesia. Hay pasajes interesantes, morbosos (Malle dominaba las llamadas "bajas pasiones" como veríamos posteriormente en "La pequeña" o "Herida"), como la escena de la partida de cartas con una morena (y arrebatadora) Briditte Bardot que se salda con unos sádicos latigazos para saldar su deuda o la autopsia a una bella mujer... que no está muerta. También otros igualmente inquietantes pero menos explícitos en la infancia del protagonista. Lástima de su chapucero final porque era la obra más fiel a Poe en letra y espíritu.

Terence Stamp es "Toby Dammit"

"Toby Dammit" de Fellini es más del director de Rimini que del escritor norteamericano. El mismo realizador italiano reconoció que la historia es sólo una anécdota de partida de la que sólo toma la presencia demoniaca (en el cuento un anciano, en el cortometraje una niña siniestra sacada de las peores pesadillas) y el fatal desenlace del protagonista. El resto es pura exuberancia y desmedida made in Fellini. Rodado íntegramente en Cinecittá, donde se recrea un infernal aeropuerto de Fiumicino, al que arriva un alcoholizado actor inglés (un extraordinario Terence Stamp) el cual empieza a tener terroríficas visiones con una niña y un balón. En una entrevista televisiva y un homenaje posterior, Toby empieza a delirar, a mezclar experiencias traumáticas de su infancia con su desastrosa vida actual, para terminar montado en un Ferrari descapotable que le habían prometido los productores del film el cual, se supone, iba a rodar en Italia.

Entonces empieza un espectacular y desasosegante carrera por salir de Roma, como si el protagonista huyera del mismísimo infierno. La espectacularidad de esta parte la hace destacar por encima del resto (y del propio comienzo, algo aburrido, de esta) siendo un perfecto reflejo de la capacidad imaginativa y técnica del genio transalpino. 

En resumen, estamos ante una obra irregular pero fascinante, donde el enorme talento de directores, actores, dirección de arte, música y fotografía logran salvar lo que podría haber sido un fiasco, pero convirtiéndola en una obra única.

Título original:

Histoires extraordinaires

Duración

121 min.

Reparto 

Jane Fonda, Alain Delon, Brigitte Bardot, Terence Stamp, Salvo Randone, Peter Fonda, James Robertson Justice, Marie-Ange Aniès.

Guion

Federico Fellini

Louis Malle

Roger Vadim

Bernardino Zapponi

Clement Biddle Wood

Daniel Boulanger

Pascal Cousin

Edgar Allan Poe

Música

Diego Masson

Jean Prodromidès

Nino Rota

Fotografía

Tonino Delli Colli

Claude Renoir

Giuseppe Rotunno

Productora 

Cocinor (Francia), P.E.A. (Italia)

Variadas lecturas

Cómo casi siempre por estas fechas, en éste veterano blog, un servidor se dedica a comentar lecturas recientes de lo más variopinto. Unas más ligeras que otras; unas más satisfactorias que otras pero como se suele decir, en la variedad está el gusto.

El gran cuando, Alan Moore (Nocturna ediciones, 2025)

Al parecer, esta es la primera novela de una trilogía en la que el inimitable Alan Moore (ya definitivamente alejado del mundo del cómic) nos va a contar la historia de el llamado "Londres Eterno" es decir, una especie de Londres alternativo que convive con el real pero relacionándose mutuamente. 

Otra rareza del cada vez más enrevesado Moore, un tipo singular que aquí nos cuenta las desventuras de Dennis, un joven huérfano de dieciocho años, que malvive de su trabajo en una librería, con una dueña que le trata como el director del orfanato de Oliver Twist. Dennis se  encuentra con un libro de Arthur Machen que, se supone, sólo existe en la ficción. Hay lo que se espera del autor de Northampton, guiños a su propia obra (From hell), barrocas descripciones, mundos sin sentido, personajes históricos (Cromwell, o mejor dicho, su cabeza parlante), referencias al comunismo y las clases humildes (siempre los "buenos")... Por desgracia Moore es, en mi opinión, peor escritor que guionista. No cuesta imaginar está historia en formato cómic, ahorrándonos descripciones y disfrutando de un Londres bizarro. Además, alguien debería decirle que no hace falta que un personaje explique en dos páginas algo que acaba de suceder porque se ha encontrado con otro personaje que no estaba allí para verlo. 

En fin, una pequeña decepción pues aunque el libro no carece de interés y tiene agradables sorpresas los protagonistas, el dúo chico-chica, resultan sosos y previsibles. No creo que termine la historia aunque le agradezco a Moore el descubrimiento de Machen, un escritor "de culto" por sus polémicas ideas políticas pero, probablemente, uno de los mejores (y más morbosos) escritores de terror de la historia, lean si pueden "Los tres impostores".

"Como desees", Cary Elwes y Joe Layden (Ático de los libros, 2019)

Con el subtítulo de historias inconcebibles del rodaje de La princesa prometida, éste simpático libro nos relata, de la mano de uno de los protagonistas principales, las vicisitudes del rodaje de la famosa cinta, además de reflexiones sobre porqué fue un fracaso en su momento o el secreto de su éxito.

Elwes transmite la sensación de ser un buen tipo, tiene palabras amables para todos y demuestra encajar bien las críticas que pudo tener (era un actor joven en aquel entonces) por parte del director Rob Reiner (autor del prólogo) o el reto que fue enfrentarse a Mandy Patinkin en un inmortal duelo a espada para el entrenaron meses. Hay espacio para que todos dejen un detalle, como Christopher Guest, William Goldman, Wallace Shaw (Reiner prefería a Danny DeVito para el papel de Vizzini) o Robin Wright, cuyo vestido se quemó y la rápida acción de Cary evitó males mayores.

Pero lo mejor es sin duda las anécdotas relacionadas con André el Gigante, un tipo único, no sólo en el físico. Afable, callado pero que se animaba bajo los efectos del alcohol, lo cual sirvió para que Elwes le conociera mejor. Su pasado como luchador, su infancia y juventud en Francia, donde conoció al premio Nobel Samuel Becket o el increíble éxito de André entre las féminas. La segunda cosa que más me ha gustado ha sido la acertada opinión del autor sobre el motivo del fracaso del film en el momento de su estreno, atribuyéndolo, entre otras cosas a un pésimo cartel original.

Además, este ameno libro viene aderezado con una bellas fotografías, de André, de Cary, el rodaje de la película y del reencuentro del equipo años después. Una delicia.

"Jabato" guion Víctor Mora, ilustraciones Francisco Darnís, portadas Antonio Bernal, Ediciones B (1986-1987)

A mediados de los 80 del pasado siglo, la editorial Bruguera quebró y fue adquirida por el grupo Z. La nueva editorial aprovechó para reeditar las aventuras de El Capitán Trueno, El Guerrero del Antifaz y Jabato pero cambiando el tradicional formato apaisado por el más moderno en vertical. La edición no es que fuera de lujo, se parece más a las revistas Mortadelo o Zipi y Zape de la época con el añadido de las bellas portadas de Bernal, mas la verdad es que el papel es de calidad y se respeta (para bien y para mal) el dibujo original, imagino que coloreado en el caso de los primeros números que originariamente serían en B\N.

Es un cómic que, visto hoy, tiene más virtudes que defectos. Entre los primeros destaca el endiablado ritmo, los guiones ocurrentes y una gran variedad de personajes. Además, todos ellos están situados en un marco histórico real, por más que Mora se tome sus licencias para hacerlo más ameno o menos cruento.

En el debe, el tono repetitivo que a veces puede tener, la casi total ausencia de malvados con matices (no sé arrepienten ni ante la muerte inminente) y lo mucho que tarda en aparecer el personaje de Fideo, contrapunto humorístico, quién no se deja ver hasta el número 17.

En resumen, un tebeo que funciona perfectamente hoy día porque además, transmite unos valores como la nobleza, la generosidad y la valentía, en retirada en nuestra sociedad.

El Papa Luna y Peñíscola

Estatua del Papa Luna en Peñiscola, obra de Sergio Blanco 

Pedro Martínez de Luna y Pérez de Gotor (1328-1423), conocido como el Papa Luna, es quizás el vecino más ilustre de la bella localidad de Peñiscola (Castellón). Su vida aparece glosada por historiadores y escritores de ficción, forma parte del convulso (acaso les hay de otro tipo) siglo XIV y es uno de los muchos personajes que forman parte del llamado Cisma de occidente uno de los peores momentos de la historia del cristianismo.

Pero más que hablar aquí de su interesantísima vida, nos vamos a centrar en su larga estancia en Peñiscola, como (anti)Papa, de nombre Benedicto XIII.

Escudo del Papa Benedicto XIII 

El Papa Luna llega a Peñiscola en 1411, huyendo de la persecución de sus rivales pues no le consideraban el Papa legítimo (sólo era reconocido por Aragón, Castilla, Escocia y Navarra). Fue una entrada "milagrosa", por la actual Porta de Sant Pere, entonces navegable, en medio de un temporal. Cuentan que Benedicto XIII le rezó al Altísimo que si era el Papa legítimo, entrara en la ciudad sin que el barco se hundiera y así fue.

Portal de Sant Pere.

Pedro Martínez resultó un Papa testarudo, quizás por su origen aragonés, quizás porque estaba tocado por la infalibilidad papal, mas era inteligente. La elección del castillo de los templarios en la ciudad castellonense hizo que aguantara asedios y varios intentos de envenenamiento. El más famoso y casi letal fue en 1418, cuando dos sirvientes le pusieron arsénico en el postre. Por suerte, también tenía fieles y sabios hombres a su lado y uno de ellos creó la hoy llamada Tisana del Papa Luna, con coriandro, anís, hinojo, comino y raíz de regaliz la cual ayudó a recuperar la maltrecha salud papal, ya que vivió 5 años más.

Volviendo al castillo, en las rocas donde se asienta discurre un río subterráneo y donde hay río subterráneo, hay cuevas. La más famosa es la escalinata que va desde el castillo al mar, siendo una vía de escape ideal.

Tras su muerte, el Papa Luna (momificado) fue sepultado en su pueblo natal, respetando sus ultimas voluntades. Lástima que eso de Descansar En Paz, le fuera difícil: primero los franceses en la Guerra de Sucesión; luego los republicanos, en la Guerra Civil, profanaron su tumba y jugaron con su calavera por puro deporte. Actualmente, tras múltiples visicitudes, su cabeza descansan en la Capilla de Santa Ana, en Sabiñán, Zaragoza.

Imagen iconográfica de Benedicto XIII 

Merece, quizás, un mayor reconocimiento éste personaje que, más allá de lo anecdótico -milagroso (estaba momificado pero nadie sabe por quién) fue una eminencia: teólogo y jurista, fomentó la cultura, el mecenazgo y la educación no sólo en su tierra sino también en las universidades de Salamanca y Valladolid.

El hombre que nos hizo reír

Recibiendo un tardío homenaje de la Academia 

Con Mariano Ozores (1926-2025) desaparece el último director de la época más exitosa del cine español y, lo que es más importante, el más taquillero de los realizadores patrios. 

El madrileño provenía de una familia de actores y aunque junto a sus hermanos, los geniales Jose Luis y Antonio, se dedicó en un principio a la interpretación, pronto se centra a la dirección cinematográfica de la mano del mítico Benito Perojo. 

El origen del éxito 

Sus primeras obras orbitaron entre un cine más "serio" y con "mensaje" (dicho sin tono peyorativo) aunque ya con el toque cómico que siempre le acompañaría. Así tenemos "Las 2 1/2 y veneno", "Salto mortal" o la ahora prestigiosa "La hora incógnita". La presencia de sus hermanos (y cuñada, Elisa Montes) y un gran elenco donde destacan Fernando Rey o Enma Penella, Ozores mezcla la comedia negra, el drama sentimental y el suspense, además mostrando un buen uso de técnicas de montaje que las hacen parecer más lujosas de lo que sus modestos presupuestos hacían prever. Empero, el fracaso de la última película nombrada, que hace que se arruine económicamente, provoca un giro en su carrera: desde entonces hasta el final (con alguna excepción, que se puede dar) la comedia, especialmente al servicio de cómicos - estrella, fue su especialidad.

"La llamaban la Madrina"

Cultivó el género de una manera prolífica, llegando a rodar hasta cuatro filmes en un año lo cual demuestra, por un lado, si capacidad de trabajo y por otro su innegable éxito.

El actor es la estrella 

Primero fue el dúo Gracita Morales - José Luis López Vázquez, con los que colabora por primera vez en "Chica para todo" (1963), pero su trilogía "de espías ": Operación secretaria, Objetivo bi-ki-ni y Operación mata-hari, es la que ha perdurado en la memoria. Gracita, eterna sirvienta, encarna aquí a típica mujer española, decente, de fuerte carácter, con desparpajo para desenvolverse en cualquier situación y, finalmente, salirse con la suya. López Vázquez es el hombre atrapado en una situación que le supera, un pelín sinvergüenza, cobarde pero bonachón. Como curiosidad decir que López Vázquez imita a Groucho Marx en "Operación Mata-hari" y eso le gustó tanto a Berlanga que lo volvió a hacer en la magistral "Patrimonio nacional" (1982).

Agotada ya la fama de Gracita y con López Vázquez decidido a demostrar que era un estupendo actor dramático, Ozores se une durante los siguientes años a Lina Morgan, "Dos chicas de revista", "La llamaban la Madrina"; Alfredo Landa,  "Jenaro el de los 14", "Manolo la nuit" o Paco Martínez Soria, "El calzonazos", "Es peligroso casarse a los 60", con lo que mantiene el favor del público hasta finales de los años 70.

«Objetivo Bi-ki-ni»

Ozores, "autor total"

Un pequeño alto en el repaso de su obra para destacar el que casi siempre Ozores es el único guionista o bien adapta exitosas obras de teatro de actores como Alfonso Paso o Carlos Arniches. Incluso cuando la obra es un vehículo para el lucimiento de un cantante (Peret, "Si fulano fuera mengano"; Manolo Escobar "En un lugar de la Manga"; Andrés do Barro "La red de mi canción") el realizador madrileño se adapta bien a guiones ajenos, obras teatrales ajenas o guiones propios con los que ofrecer un producto que guste a los fans no sólo del artista sino de la comedia. De esta manera nos encontramos con Concha Velasco, Manolo Gómez Bur e incluso el dúo Gracita - José Luis, para arropar al protagonista y tapar sus carencias interpretativas.

«Todos al suelo» 

Llega la democracia

Al contrario de lo que les pasó a algunos directores que vivieron el cambio político de régimen como algo traumático que terminó (o relanzó) sus carreras, Ozores continuó su idílica relación con el público, merced al auténtico hallazgo que supone la pareja Pajares- Esteso, con la que realizará ocho colaboraciones más varias por separado, de enorme éxito. Un caso singular éste pues los actores no eran pareja cómica ni en teatro, ni TV, todo es creación del realizador madrileño, el cual les acompaña siempre de Antonio Ozores como definitivo secundario de lujo. Desgraciadamente, éste éxito fue tan fulgurante como fugaz.

«Pelotazo nacional»

Declive y fin de carrera 

Con la aprobación de la llamada "Ley Miró" y el consiguiente perjuicio al cine "popular" que representaba, Ozores pierde la posibilidad de llegar al gran público y, con ello, pierde el contacto con sus gustos y costumbres. En una palabra, el cine de Ozores se queda anticuado. No obstante, el realizador insiste en buscar salidas: hace "No va más", remake de "Los bingueros"; "Capullito de alhelí", sobre una pareja madura de homosexuales; un film de artes marciales, "Veredicto implacable"... Nada funciona. Tampoco le fue bien con las series para TVE "Taller mecánico" y "El sexólogo", ésta última cancelada por una absurda polémica.

Sus dos últimas películas fueron dos incomprendidas sátiras sobre la sociedad, la política y el periodismo patrio: " Disparate nacional" (1989) y "Pelotazo nacional" (1992), con su hermano Antonio pero también con actores de la nueva generación como Resines o Ladoire que siempre mostraron su apoyo al maestro aunque fuera inútil.

«Las dos y media...y veneno»

Balance final

La carrera de Mariano Ozores es inabarcable, contiene documentales adaptaciones literarias y teatrales, películas de acción, musicales, comedias sofisticadas... haría falta un libro (su autobiografía, por ejemplo) para comprender y valorar sus incuestionables valores industriales, cinematográficos y hasta de reflejo de una época, pues su cine fue siempre eso, el reflejo de la España de cada época pero no visto tanto por él mismo como por las gentes que llenaron cines para ver sus películas. No se me ocurre mejor homenaje a un artista del entretenimiento como él.

Costa astur y un poco más

Viajar por España es simplemente un privilegio que, esperemos, no nos quiten nunca. Asturias y la bella localidad de Santillana del Mar son dos lugares más que recomendables y que un servidor ha tenido el placer de visitar recientemente. 

Luarca.

Luarca es un pueblo costero asturiano que, como muchos otros,ha ido perdiendo industria y pesca en favor del sector servicios y el turismo. Hasta los años 80 había una fábrica de leche en polvo pero al ser comprada por empresas extranjeras su final fue cuestión de tiempo. Caminando por sus bellas calles da la sensación de decadencia elegante, de una población que vio tiempos mejores pero que aún conserva su aire elegante y señorial, no hay más que ver el edificio del ayuntamiento.

Sin embargo, las dos grandes atracciones de Luarca, son el jardín y el cementerio. Los Jardines de Fonte Baixa son un lugar casi único en España. Enorme jardín (10 hectáreas) creado por José Ribera y Larraya, fundador de la famosa Panrico ®, que trajo aquí especies de árboles de otras partes de España. Además está decorado con estatuas y puentes coquetos. Hay hasta una pirámide, un lugar donde perderse (mejor comprar el mapa a la entrada) y disfrutar. Ojo, un día de lluvia es difícilmente transitable y con calor, agobiante mas no lo dejen de visitar.

El cementerio de Luarca es muy famos deo por sus vistas, junto al faro y por estar enterrado allí el más ilustre vecino de la población: el premio Nobel, Severo Ochoa. Mejor ir en visita guiada porque si no no ves nada. 

Bosque-jardín de la Fonte Baxa

Por último, una curiosidad, la existencia del museo  del "calamar gigante", pequeño pero interesante, que cuenta con especímenes curiosos. Asimismo, allí puedes comprar entradas para el jardín y ahorrar un dinerito.

No muy lejos de Luarca, se encuentra el bello y coqueto pueblo de Cudillero. Casitas encantadoras, pequeño puerto pesquero y rodeado de esos montes verdes tan típicos del norte de España, Cudillero es un pueblo al que se accede desde una carretera bien asfaltada pero revirada. El coche hay que dejarlo a unos 400 metros, en amplios aparcamientos... De pago. La verdad es que merece la pena, es un lugar singular y plenamente dedicado al turismo por lo que se aprecia: tiendas de souvenirs, restaurantes y hoteles. Todo muy bonito y lleno de turistas, eso ya es un mensaje al curioso. 

Cudillero.

Para terminar, un apunte sobre una famosa localidad de la vecina Cantabria. 

Santillana del Mar, además de ser uno de los pueblos más bonitos de España, tiene la ventaja de estar cerca de las Cuevas de Altamira y tener su propio, modesto, pero completo zoo, estilo los de siempre, con monetes, pájaros, murciélagos y otros animales más desagradables. A los chavales les encantará. 

Volviendo a Santillana, en primavera y otoño es un placer pasear por ella disfrutar de sus calles y poder comer sin agobios en cualquier restaurante. La pega es que hay muchas cosas cerradas pero en verano es un verdadero agobio y poco recomendable si no te van las aglomeraciones. En cualquier caso, una villa con encanto pese a las tres mentiras. 

Colegiata de Santa Juliana en Santillana del Mar.

En la encrucijada

Hay momentos en la vida de toda persona en los que parece que no avanza, hay un paso que se debe dar hasta la siguiente casilla en el juego de la vida pero hay algo o alguien (quizás nosotros mismos) que no nos permiten avanzar. Pero, ¿avanzar hacia dónde?.

En el bar que da título al film se reúnen siete amigos, de distintas clases sociales, estado civil, sexo pero con la misma edad y recién salidos de la universidad, ése difícil momento en el que tienes que hacer una vida adulta, signifique lo que signifique eso, pues ninguno parece tenerlo claro. 

"San Telmo, punto de encuentro" (1985, Joel Schumacher) habla de esto, pero también de más cosas, con la rara virtud de huir del sensacionalismo, ser sutil cuando toca y darle algún toque de humor. El propio título puede tener dos lecturas: el nombre del bar-restaurante donde el grupo de amigos quedan o el fenómeno del fuego de San Telmo. 

En lo primero, queda claro desde el principio que los protagonistas empiezan a estar algo fuera de lugar: en la primera escena se quejan al dueño de que unos jovencitos les han quitado su mesa de siempre, toda una señal sobre los cambios, forzados, que se avecinan. Por otro  el fenómeno que los marineros interpretaban como un signo de buen/mal augurio también transmite la idea de confusión de los protagonistas: no saben identificar las señales que sus parejas, sus familiares o sus propios amigos les dan, parecen aferrarse a una situación que termina por ser insostenible bien por estar basada en una mentira o bien porque no han sabido adaptarse al cambio. 

Es el caso de Kirby (Estévez) atrapado en un trabajo precario y sin pareja que se enamora de una bella doctora (Andy Mcdowell) que no parece muy interesada en él. También ocurre lo mismo con Bill (un magnífico Rob Lowe), casado pero al borde del divorcio, estancada si carrera musical y con demasiada pasión por la bebida con la que logra transmitir un falso optimismo. En el caso de la mentira nos referimos a Jules (Demi Moore) una aparentemente dinámica ejecutiva, con demasiado dinero para vicios y una enorme carencia afectiva por la ausencia de una figura paterna. También es una falsedad la vida de Kevin (Andrew Mcarthy), aún virgen y, aparentemente, ambiguo sexualmente. 

Incluso la aparentemente idílica pareja formada por el triunfador Alec (Judd Nelson) y la sacrificada Leslie (Ally Sheedy) se viene abajo por las infidelidades y un amor sorprendentemente correspondido. Y ¿que hacemos con la apocada Wendy (Mare Winningham)?  quién se topa con su adinerada familia, tanto en el tema laboral como sentimental...

Personajes con carencias efectivas, económicas y laborales pero que, en el momento de la verdad, se tienen los unos a los otros y comprenden que deben emprender una nueva etapa y dejar, de momento, el bar de siempre porque lo que realmente importaba no era el dónde sino el con quién. Una deliciosa película de Joel Schumacher, nunca suficientemente valorado y que aquí es co-guionista. El film, en el momento de su estreno, fue recibido con tibieza por critica y público, se le concedió el razzie de peor actor a Lowe, en el típico gesto envidioso de "es guapo, no sabe actuar".

Título original:

St. Elmo's Fire

Duración

108 min.

Dirección

Joel Schumacher

Reparto

Emilio Estévez

Rob Lowe

Andrew McCarthy

Demi Moore

Mare Winningham

Ally Sheedy

Judd Nelson

Andie MacDowell

Guion

Joel Schumacher 

Carl Kurlander 

Música

David Foster

Fotografía

Stephen H. Burum

Compañías

Columbia Pictures(Productora)

Delphi IV Productions(Productora)

Su mejor versión

 Es verdad que en la música popular las versiones son más que habituales y a veces superan al original. Hay cosas muy groseras como esta de "Los del Mar" de Macarena pero vamos a seguir con esta costumbre de recordar canciones remozadas. 

I want Candy, Bow, wow, wow 

The strangeloves obtuvieron éxito relativo en 1965. Una de tantas canciones en la que hay confusión sobre quién compuso y quién canta. De hecho se rumorea que los cantantes fueron tres ex-granjeros australianos pero los autores aparecen en la portada del single con pelucas (!). 

En 1982, un grupo británico de la New wave, con el curioso nombre de Bow Wow wow (y una cantante de peinado imposible) obtuvo su gran hit con una simpática versión, más acelerada y gamberra que fue un gran éxito en Europa aunque pasó desapercibida en EE.UU. 

Always on my mind, Pet shop boys.

Una de esas canciones multiversionada y que, como suele ocurrir, no tuvo éxito en su primera publicación, a cargo de B.J. Thomas (qué sí triunfó con esta) pero en 1972 Elvis Presley la convierte en un hit, justo cuando se acaba de separar de Priscilla. Tras la versión de Willy Nelson (1982) llegamos a 1987 y el dúo formado por Neil Tennant y Chris Lowe, Petshop boys, se cascan una extraordinaria reinterpretación, más marchosa pero igualmente romántica. Un éxito en el mejor momento del grupo.

El vídeo es... curioso. No diré más.

Don't dream it's over, Six pence none the richer

El mayor éxito de la banda neozelandesa Crowded house fue versionado por el trío estadounidense liderado por Leigh Nash. Es evidente que la versión no mejora el original pero la dulce voz femenina fota de mayor romanticismo a la ya de por sí sentimental balada original. 

Six pence none the richer haría también una versión de 'There she goes", otro tema que ya tenía un largo historial de versiones pero que con ellos logró mayor repercusión.

I'm a every woman, Whitney Houston 

Chaka Khan es y será "La reina del funk" y I'm a every woman uno de sus grandes éxitos. Puede que no llegara a obtener un éxito mayor debido a su pertenencia a los "Panteras negras" o a que su segundo marido, miembro del partido, la quisiera discreta y menos diva pero esta canción que habla de que puede ser todas las mujeres (?) fue un éxito en las pistas de baile de todo el mundo.

Peeero en 1991 a la Houston le llama la atención y, como ya hizo con I will always love you de Dolly Parton, hace una nueva versión que mejora el original, respetándolo, dándole una marcha más con la producción de Michael Walden y C+C Music Factory. Sintiéndolo mucho, gana Whitney. 

Got my mind set on you, George Harrison

En 1987, el ex Beatle George Harrison, logró uno de sus tres números uno mundiales y el único no escrito por él. La original era del compositor de R&B Rudy Clark y grabada por James Ray en 1962... Sin demasiado éxito. 

Harrison le dió más "vida" y además hubo dos videoclips, uno protagonizado por una pareja de chavales pero aquí dejo el más surrealista, porque en 1987 los vídeos eran una locura sin sentido. 

Tainted love, Soft cell

Una canción con una curiosa historia detrás. Publicada en 1965, es interpretada por Gloria Jones, sin éxito. A mediados de los 70, un DJ llamado Richard Searling se hace con un vinilo y la empieza a pinchar con asiduidad. La canción gusta y Gloria vuelve a grabarla pero ahora más "discotequera". Tampoco tiene el éxito esperado.

En una 1981, el dúo británico Soft Cell se "encuentra " con esta última versión y les gusta pero la cambian totalmente para convertirla en su mayor hit. Cosas que tiene el mundo discográfico.

Viaje al fondo de la mente

Satoshi Kon (1963-2010), cineasta y guionista japonés, es uno de tantos directores de los que su cortísima filmografía nos lleva a lamentar su precoz fallecimiento. Realizador que comenzó su actividad profesional a comienzos de los 90, cuando el famoso "Akira" (1988) de Katshuiro Otomo llega a occidente precedido de un gran éxito en su país de origen, primero como manga y luego como película de animación. Tuvo una sólida formación en diseño gráfico y dibujando manga antes de dedicarse a la dirección. Además, en su juventud conoce a Otomo, con el cual colabora en su largometraje "Qué horror de apartamento" (1990), todavía rodada en acción real. Kon empezó, como tantos otros realizadores nipones en el anime dibujando, diseñando personajes y escribiendo historias originales o bien adaptado las de otros.

"Rosa magnética" según el cómic de Katshuiro Otomo

Su primera experiencia en la dirección es en la serie Jojo's bizarre adventure, serie de acción, ultravioleta y directamente a video (OVA, para los expertos). Tras esta, colaborará con Otomo en "Memories" una película de tres episodios que tienen en común el género ciencia-ficción aunque muy variado. Kon adapta la historia del autor de "Akira" ofreciendo lo que ya será su sello: la compleja mente humana, sus miedos y anhelos todo ellos con una impecable animación y siempre en escenarios espectaculares, barrocos y surrealistas. "Rosa magnética", cuenta la historia de unos basureros espaciales que acuden a una señal de socorro y lo que allí se encuentran no es lo esperado. Satoshi tendrá la oportunidad de debutar en el largometraje adaptando una historia ajena y ofreciendo lo que ya se apuntaba en el segmento de "Memories": la complejidad de la mente humana. 

La inquietante "Perfect Blue" es una película llena de matices

"Perfect Blue" (1997), adaptación de un best seller de Yoshikazu Takeuchi, cuya realización iba a ser un acontecimiento en el país nipón. En el último momento, por temas presupuestarios, el film pasó a ser de animación en vez de acción real y cayó en las manos de Kon, el cual aprovechó para firmar un thriller desasosegante, casi de terror y, de paso, darse a conocer en todo el mundo. 

Mima es una cantante juvenil que decide dejar su exitoso grupo para iniciar una carrera como actriz y así dejar atrás su imagen angelical más el  éxito no es un camino de rosas: las series y películas que rueda le obligan a interpretar personajes al borde de la locura, lo cual la afecta personalmente. Además, una sesión de fotos en la que sale desnuda (pese a que no quería) sale a la luz y su mundo se viene abajo, iniciando una serie de acontecimientos que la hacen perder el control de su mente.

Pese a no tratarse de un guion propio, Kon hace suyos los temas de la fama, el fenómeno fan, la frustración, la manipulación y la frivolidad del mundo del espectáculo que termina por destrozar reputaciones y personas. Una película excelente, impactante, por instantes confusa pero que su realizador logra llevar a buen término logrando que ningún cabo de la intriga quede suelto. 

"Milenium actress" es una romántica película de cine dentro del cine 

Da la sensación de que el personaje de Chiyoko en "Milenium actress" (2001) es una extensión de la  Mima de "Perfect Blue". No sólo por su parecido físico e idéntica profesión, sino también por su carácter obsesivo y misterioso.

Un cámara y un patoso periodista logran entrevistar a la huidiza protagonista, una actriz que, en la cumbre de su carrera, decidió retirarse por razones desconocidas. Ahora, al borde de la muerte, hace balance de su vida buscando en su memoria la solución a un secreto.

Con saltos continuos en el tiempo, mezclando las películas y rodajes de Chiyoko con la vida ¿real? de la protagonista, vamos descubriendo que el secreto está relacionado con un misterioso joven al que conoció siendo adolescente, mas pronto se descubre aquello tan cierto de "no es dónde vas sino con quién". De paso, Kon hace un sentido homenaje al cine japonés, tocando todos los géneros: samuráis, drama de época, realismo social, ciencia-ficción y, cómo no, Godzilla. Un film donde el realizador ya anticipa lo que será el tema de su tercer film: los personajes marginales y secundarios que acaban siendo importantes en la vida de los teóricos protagonistas. Una película rabiosamente romántica y excepcionalmente bella. 

Los protagonistas de "Tokyo Godfathers", seres en busca de redención

"Tokyo Godfathers" (2003) es un cuento de Navidad y como tal hay que tomarlo. Protagonizada por un curioso trío de sintecho formado por un homosexual con instintos maternales, un alcohólico que abandonó a su familia y una adolescente que ha huido de casa tras un dramático enfrentamiento con su padre. Éste peculiar trío se encuentra un bebé en la basura y tratan de devolverla a su madre sin acudir a la policía pues a ninguno les conviene dar explicaciones. 

Con una mezcla de comedia algo infantil (esa gestualidad tan exagerada a veces, casi un sello de cualquier producto anime), drama, premio de lotería y película de intriga con la yakuza de por medio porque a Kon no parecen gustarle mucho las historias en las que todo parece ir la dirección esperada y busca la sorpresa del espectador aún a costa de la verosimilitud. No es un defecto, en éste caso, pues la emoción que transmite la historia, la humanidad de los protagonistas (que no son buenas personas sin más, tienen defectos, de ahí que se ganen nuestra simpatía) y la incertidumbre por su resolución enganchan completamente al espectador consiguiendo lo que toda película navideña debe hacer: emocionar. Por último destacar la música de Keiichi Suzuki, que rara vez compone música para animación y por eso le da un toque distinto al film. 

"Paprika, detective de los sueños", un thriller de fascinante factura 

Adaptación de la novela de Yasutaka Tsutsui, autor que también fue adaptado en la exitosa "La chica que podía saltar a través del tiempo", "Paprika, detective de los sueños" (2006) es quizás la obra más ambiciosa e influyente del realizador de Sapporo. 

Thriller que cuenta la historia de una científica Atsuoko Chiba, que utiliza una revolucionaria máquina creada por una gran corporación para entrar en la mente de las personas y solucionar sus problemas psicológicos. Pero alguien ha robado la tecnología y la está usando para atacar a las principales personas relación el proyecto. Además, un detective de policía se está sometiendo a un tratamiento con Paprika (avatar en los sueños de Chiba) para solucionar un antiguo caso sin resolver. 

Cuanto más se profundiza en la mente, más enrevesada y misteriosa es la trama, de un barroquismo exacerbado en las escenas oníricas (volvemos a la estética del segmento 'Rosa magnética' de "Memories") lo que parece conducir hasta un desenlace que parece no tener sentido... Hasta que se descubre al malo de la función.

No creo exagerar si digo que "Paprika..." es una de las películas anime más influyentes de los últimos años. Su trama está claramente copiada por Nolan en la excelente "Origen" (2010) y la idea de la realidad alterada desde los sueños (que pueden utilizados con fines homicidas, tipo "Pesadilla en Elm Street", de Wes Craven) hacen de este film una experiencia realmente sugestiva, que provoca en el espectador no sólo sorpresa sino también reflexión en una trama que, como los sueños, lo abarca todo: el deseo sexual, la frustración, los complejos, los anhelos, el amor, las fobias y la culpa. Todo ello con homenajes cinéfilos, en la trama del detective, y algún momento cómico.

Una película que, como todas las del realizador, se cierra con una explicación perfectamente coherente y honesta. 

Protagonistas de la inacabada 'Dreaming machine' 

Por desgracia para el séptimo arte, durante la producción de "Dreaming machine" el que iba ser su quinto largometraje, Kon recibe la noticia de que padece un cáncer terminal. Deja todo para pasar sus últimos meses de vida con su familia y amigos dejándonos huérfanos de nuevas historias, nuevos mundos oníricos y personajes complejos y torturados, humanos en una palabra.

Línea clara

 Raymond Reding (1920-1999) fue uno de los más interesantes dibujantes franco- belgas del siglo pasado. Nacido en Francia, de padre belga y madre francesa, trabaja casi exclusivamente en el país vecino, sobre todo en la famosa revista "Tintin". Para ella publica una biografía de San Vicente de Paul pero por lo que será más conocido es por sus comics de temática deportiva. 

Tres han sido los cómics de este fantástico creador que he podido leer recientemente, todos ellos relacionados, como dije, con el deporte. 

"L' Anderlechtois" (1981, Ed. Bedescope) y "Le territoire des Diex" (1977, Colection Jeune Europe.

Todos ellos, salvo error mío, inéditos en España tratan sobre un grupo de ex deportistas: Sophie, Django y Tonton, los dos primeros ex-campeones olímpicos y el segundo ex- luchador. Primero periodistas, luego pasan a ser una especie de investigadores de casos relacionados con el deporte o protagonizados por deportistas que se hacen llamar Section'R'. Empezando por "El territorio de los diez" se desplazan a un ficticio país magrebí donde un grupo insurgente "los 10" difuculta la expansión del fútbol en el país, en especial el femenino. Reding claramente está en contra de las supersticiones y ridiculiza a la banda que ve en todo un signo de la ira de Dios (no se dice cual) y terminan por secuestrar a Tonton aunque al final el balompié sirve para unir culturas. 

En "L' Anderlechtois", Django y Sophie ayudan a un joven futbolista, Pierrot, fan del club belga  Anderlecht, el cual sufre una cruel broma de sus vecinos del pueblo por la cual le hacen creer que el equipo de Bruselas le quiere a prueba para jugar con ellos. Menos humorística que la anterior, hay referencias al reciente mundial de Argentina y cuenta con las "apariciones" reales de Hidalgo, seleccionador francés y de Michele Platini, máxima estrella del fútbol europeo entonces, que juegan un amistoso preparatorio contra el equipo belga donde Pierrot tendrá una oportunidad de demostrar su talento.

Ambos tienen un tono, vistos hoy día, algo naïf pero se olvida por lo ingenioso de las historias y el dinamismo de la acción. Con un gusto por la fidelidad y el detalle (ciudades, paisajes, edificios, estadios, personajes reales) es una delicia deleitarse en ellos. Además, no duda en ser didáctico con respecto a temas de salud y costumbres además de incentivar la práctica deportiva. Investigando un poco, "L' Anderlechtois" y otra historia de Section R fueron publicadas parcialmente en la revista "Mortadelo". 

Fondation Kong: Hantise a 5 metres (1977, Ed. Dargaud) Reding y Hugues

El millonario y la filántropo Sir Kenneth Irving Nashville Grey fallece haciendo submarinismo en Grecia y su última voluntad es legar su fortuna para creación de un grupo internacional que ayude a deportistas de élite en dificultades. Ése grupo lo forman : Karen, campeona de ski náutico; Jean Marc, especialista en decathlon; Pat, gimnasta; Rosy. tenista y, finalmente, Cornel Vetzko, veterano historiador.

Los 5 ayudarán en esta historia a un prometedor saltador de pértiga francés, Michel Guerret, el cual ha perdido la confianza tras un accidente en el que la pértiga se rompió y se le clavó en una pierna.

Con un estilo muy parecido a los comics ya comentamos, aquí Reding muestra todo su talento en una exhibición de dibujos del París de los 70 donde no faltan el Sagrado Corazón ni la torre Eiffel mas son los pequeños detalles en coches, ropa, estaciones, vegetación, despachos... dónde uno disfruta una barbaridad con el estilo "línea clara" del dibujante. 

La historia da para poco y da la impresión de que era más una excusa para presentar a unos personajes que, que yo sepa, nunca más volvieron a aparecer. Cómo último detalle indicar que aquí aparece Françoise Hugues como co-autora, colaboradora habitual y pareja de Reding coloreando su obras, como hará en la siguiente y más exitosa.

Eric Castel "Los cinco primeros minutos" (Ed. Norma, 1984)

Probablemente el personaje más conocido de Reding sea éste, un futbolista que nace de una historieta realizada con motivo del Mundial 74' y con otro nombre (Muller). Castel vive el sueño de pasar de jugar en el equipo de la fábrica donde trabaja a jugar en Inter de Milán, F.C. Farselona y PSG. En éste número 9 vive su segunda temporada en París y allí entabla relación con Diana, una tenista (nada romántico, todo es muy serio) que le pasa a máquina su libro sobre los orígenes del fútbol (sic) aunque a la muy estúpida le roban el original. Y digo estúpida porque Eric no duda en llamarla eso a pobre Diana que tiene un cargo de conciencia tremendo y trata de recuperarlo por su cuenta lo cual ocupa gran parte de la historia. Más allá de la anécdota (los tiempos cambian) una vez más el trabajo de Reding - Hugues es espectacular: Roland Garros, Parque de los Príncipes, Arco del triunfo, Ópera y las zonas humildes del París de los 80 son reflejados admirablemente. Eric es un poco sieso, tiene bastante abandonados a Pablito y sus amigos y juega lesionado (como Oliver Atom) aunque marca goles al Ajax de Amsterdam. Más todo tiene final feliz donde no hay un antagonista destacado más allá de un gruñón escritor que al final es un cacho pan.

Bueno, hasta aquí el repaso parcial sobre éste maravilloso guionista y dibujante, en la época en la que todo era menos retorcido, más bonito estética y éticamente. 

Fuentes: https://www.tebeosfera.com/autores/reding_raimond.html

https://www.ojodepez-fanzine.net/latiacomforo/viewtopic.php?p=15121&sid=e276df8c25d0eeac1f839d98d6c7ccb6