La bandera del sol naciente

"Hoy he aprendido una nueva palabra: bomba atómica. Es como si Dios hiciera una fotografía."

Las primeras imágenes de "El imperio del sol" (Steven Spielberg, 1987) nos muestran un primer plano cenital del  delta del río Yangtsé, en el que flotan los ataúdes y las flores por los muertos, de repente, un barco japonés aparece y aparta las cajas, las hunde sin prestar atención como presagio de lo que el ejército nipón va a hacer. Dos horas y veinte minutos después veremos ese mismo río en un plano casi idéntico en el que flota una maleta llena de recuerdos, lanzada río arriba por su dueño, un niño cuyo rostro fatigado y triste ha cambiado ante la cantidad de horrores que ha experimentado en los pocos años que han pasado entre una y otra imagen. Un magnífico final para una película que no deja de maravillarme cada vez que la reviso.
Adaptación de la novela autobiográfica de J. G. Ballard, "El imperio del sol" fue un bestseller que enseguida llamó la atención de Spielberg, en un momento de su carrera muy interesado por temas más "adultos" para sus films aunque (paradójicamente) su protagonista sea un niño. Es de sobra conocido que iba a ser dirigida por David Lean, director muy admirado por el cineasta de Cincinnati mientras él se dedicaría a la producción del mismo mas la avanzada edad del director británico y el entusiasmo puesto por el realizador de "Tiburón", llevaron a que este último, se decidiera a dirigirla.

Con presupuesto de superproducción, Spielberg pudo rodar en Shanghái​, la cual se mantenía casi idéntica desde que terminó la segunda guerra mundial. Para las importantes escenas del campo de prisioneros y el aeródromo, las localizaciones se hicieron en nuestro país, más concretamente en la localidad gaditana de Trebujena, donde el rodaje se alargó algo más de lo esperado, nada menos que tres meses.
La historia es, como tantas otras en Spielberg, la de un niño que empieza a sufrir la crudeza de la vida, dejando su inocencia atrás. Pero además está otro de los temas favoritos del realizador: la segunda guerra mundial. Quizá influido por las historias que su padre le contó de ella (durante la contienda fue tripulante de bombardero) y por la propia fascinación que genera en los americanos de su generación, sería la segunda de las tres obras ambientadas en ese periodo histórico que ha rodado, aunque en casi todas aparezca nombrada siquiera tangencialmente. Estamos, por tanto, ante un film muy personal.
Como decíamos el protagonista es un niño británico, Jim (Christian Bale, más que perfecto), que vive una cómoda vida de "niño rico" en la colonia británica: va a fiestas, vive en un colegio que es una réplica de colegios ingleses, trata a la servidumbre nativa con despotismo, tiene unos padres que le dan todos los caprichos... mas también es un niño inquieto, apasionado de la aviación y algo petulante "estoy escribiendo un libro sobre bridge" que se declara ateo (?) y, cree, es más maduro de lo que parece para su edad. Su padre, figura fundamental para él, es un rico empresario, respetuoso con los chinos (al contrario que el resto de ingleses); con su madre no comparte aficiones ni conversaciones aunque su relación es más cálida y cariñosa. El chico la tiene por un personaje más emocional, no entra en sus discusiones "filosóficas", es una mujer de melena oscura y labios pintados, quien le arropa y le da un beso por la noche.

Mas la Historia con mayúsculas cambiará su vida para siempre: en una espectacular y larga escena de masas, de las que Lean tan bien dominaba, Spielberg nos muestra como recoger un simple juguete del suelo puede cambiar una vida para siempre. La gran virtud de la misma es la conjunción, como hacía el maestro inglés, de espectáculo y emoción; tiroteos y muchedumbres agitadas se conjugan a la perfección con la trágica separación del protagonista y sus padres.
Entonces empieza una odisea que, pese a tratarse como dije de una historia real, cada vez toma giros más inesperados y en la que no hay espacio para la humanidad y los sentimentalismos. En una de las partes que más me gusta del film, Jim regresa a su casa, ahora abandonada y saqueada para intentar vivir una vida que nunca volverá; el bofetón (real según confesión del propio Bale) que recibe de su criada es solo el inicio de una progresiva degradación tanto de su hogar como de su físico. Aquí hay momentos excelentes: el paseo en bici por la casa; la escena en la que cree que su madre ha vuelto a su habitación; la forma en la que Jim intenta mantener su estilo de vida, siempre bien vestido y comiendo lo poco que tiene en platos de porcelana; la piscina cada vez más vacía...

Cuando decide ir a la ciudad acuciado por el hambre no le espera nada mejor: un chico intenta robarle ("no familia, no whisky soda"), los japoneses le ignoran, la ciudad que tanto le fascinaba es ahora hostil. Para cuando no parece haber ya solución, casi es atropellado por Frank (Joe Pantoliano) quien le lleva junto al personaje que cambiará la vida del protagonista, Basie (un genial John Malkovich). Basie era, en realidad, un famoso músico de jazz y no creo que el nombre sea por casualidad: Basie es un verso libre, un tipo que improvisa, alguien astuto y aprovechado pero también un hombre fascinante por su capacidad de adaptación. Es un personaje dickensiano, un Fagin en la Segunda G.M., simpático, que da buenos consejos para la supervivencia ("no bebas de ese agua chico, aquí hay gente que está muriendo de disentería"; le hace quedarse con los platos de los muertos para quedarse con sus raciones) mas no duda en dejar atrás a Jim si éste no le es útil o no logra sacar provecho de él. Nada más conocer a Jim, intenta venderlo a un comerciante chino pero este lo rechaza porque "pronto estará enfermo". Sin embargo, el niño le toma cariño porque lo admira por su capacidad para sobrevivir y casi es una figura "paterna" en ausencia del progenitor. Una escena clarificadora es el momento en el que Jim trata de que le lleven al campo de prisioneros para no ser abandonado por Basie (como le pasó con sus padres), coronado con ese impactante plano del niño gritando ilusionado, pues logra subirse al camión pese al maltrato físico que sufre por parte de los japoneses, mientras la sangre corre por su frente.

Jim va forjando su carácter en el campo, se vuelve un hombre en miniatura: toda la ropa le queda grande: la cazadora de aviador, el mono militar, los zapatos... ha madurado demasiado pronto en algunas aspectos . Es capaz de colarse en el lado japonés (aprende su idioma, se gana su respeto), consigue tabaco, verduras, entra en el barracón de los estadounidenses donde está Basie y al que aspira a mudarse. Pero sigue siendo un niño que juega con aviones y canicas. En el campo, Jim encuentra otra figura paterna, la del doctor Rawlins (un excelente Nigel Havers) quien se preocupa por su educación, su salud (física y mental) y trata de alejarle de Basie. Spielberg es tan elegante como sutil al mostrar todo esto. Por ejemplo, aquella escena en el que Jim reconoce en un gesto de Rawlins pensativo, frotándose el bigote con el dedo, semejante al que hacía su padre. Mas Basie, quizá por simpatía o por demostrar que nadie es incorruptible en este mundo, enseña a Jim que su admirado Rawlins no es más honrado que él cuando, tras una paliza del oficial japonés, Basie acaba en el hospital y allí compra al inglés la mosquitera que sólo se usaba para las personas desahuciadas. Jim, deseando la aprobación de Basie, no duda en arriesgar su vida por una apuesta que le valdrá ingresar (momentáneamente) en el barracón americano. Y lo logra gracias a algo que sólo él hace: respetar a los japoneses. Logra entablar amistad con un chico (Takatoro Kataoka) poco mayor que él, el cual no le delata cuando está a punto de ser descubierto por un guardia. Como decía, la relación del chico con sus carceleros es de respeto y admiración, Jim no sólo busca el propio beneficio como Basie, se ha criado Asia y admira al Imperio del Sol naciente.
Si Jim busca sustituir la ausencia del padre, también intenta hacer lo mismo con su madre en el personaje de la señora Victor (Miranda Richardson) mas aquí las sensaciones son distintas. Si en su madre Jim lograba la protección y el cariño, en la figura de la señora Victor comienzan a aflorar sutilmente el deseo y el amor. El momento en el que Jim espía al matrimonio Vitor mientras empiezan a acariciarse en la cama es morboso y se corta abruptamente con la mirada del marido de ella. Jim le consigue comida, la da consejos y cuando, en los últimos momentos del film ella esté sola con él, planea la posibilidad de un "incesto", cuando ella besa repetidamente las manos de él tras beber el agua que contenían.

Al comienzo del film se nos dieron pinceladas del carácter del chico y una de ellas era su ateísmo. El continuo contacto con la muerte hace que Jim viva experiencias casi "fantásticas" (cuando "revive" fugazmente a una paciente del doctor; el momento en que roba un cuenco de comida a un muerto) lo cual lleva la película, poco a poco, al terreno de la ensoñación, cada vez más alucinada, pesadillesca y surrealista. Así es el tramo final de "El imperio del sol", una pesadilla casi Felliniana, de imagénes fantásticas que impresionan, paradójicamente, por su realismo: el apocalipsis debe ser algo parecido a esto. Curiosamente el protagonista, tras pasar por esta experiencia, pare ser un creyente o al menos una persona menos segura de sus propias creencias.
Todo empieza a desmoronarse para Jim con la derrota japonesa, que arranca en la prodigiosa escena del bombardeo al campo de prisioneros, brillantísimo (y sin los hoy tan agotadores efectos digitales) y apabullante, que culmina en la dramática confesión, entre sollozos, del chico a Rawlins (quien, a diferencia de Basie, trata de evitar que salga herido): "no puedo recordar cómo eran mis padres". A una larga peregrinación de los prisioneros por un paraje desértico le sigue la llegada a un estadio lleno de lujosos coches, pianos, mueble y lámparas, ahora cacharros inservibles. Es aquí dónde sucede la antes citada escena entre Jim y la señora Victor, quien mortalmente enferma se sienta en un piano a tocar ganándose la atención del chico. A la mañana siguiente, Jim está solo y ella muerta, ve un resplandor, luego sabremos que se trata de la bomba atómica, decide marcharse pues vuelve lo que siempre ha temido el niño a lo largo de la historia: la soledad.
Son sus peores momentos, vaga sin rumbo, sin comida ni agua, llega a robar pan a un cadáver, parece que todo va a tener un desenlace fatal... hasta que ocurre un "milagro": empiezan a caer paracaídas con comida, Jim está salvado y, como pasó al comienzo, regresa a su casa, es decir, el campo de prisioneros. Ahora no está solo, su amigo japonés sigue allí, el caza que iba a pilotar no llegó a despegar, ya no hay alambradas y juntos comparten lo poco que tienen.

Pero aquí no hay lugar a finales felices, Jim vivirá la última lección de vida con el regreso de Basie, acompañado de otros "piratas" rapiñeros quienes matan al chico japonés creyéndolo una amenza.
Jim, harto de todo, deja su mejor respuesta para Basie cuando este le pregunta si no ha aprendido nada de lo que le había enseñado: "me enseñaste lo que una persona es capaz de hacer por una patata". Demoledor y a la vez brillante epitafio para una amistad. Basie se va no sin hacer una última y simpática broma (¿quieres una chocolatina?).
Como si se tratara de una narración circular, volvemos a ver las mismas escenas en un escenario distinto, él vagando sólo por los barracones, andando en bici, hasta la llegada del ejército americano (ante el que se "rinde", instinto de supervivencia) para devolverle a la civilización.
La penúltima escena es, para mí, la mejor que ha rodado Spielberg jamás. Su padre, entre un montón de niños, no lo reconoce, su madre sí pero duda porque él la mira extrañado. Jim la quita el sombrero y hace un esfuerzo por evocar: tenía el pelo oscuro, lo llevaba suelto y los labios pintados. Imposible no enmocionarse con el abrazo final. Jim, ojeroso, por fin cierra los ojos. Atrás quedó el horror, atrás quedó la maleta y los recuerdos que contenía, el Yantsé se los llevará... aunque esa maleta, al contrario que los cadáveres no se hunde, permanece en la superficie.

Ficha técnica
Título original       Empire of the sun 
Dirección               Steven Spielberg
Guion                      Tom Stoppard (Novela: J.G. Ballard)
Música                    John Williams
Fotografía              Allen Daviau
Reparto                  Christian Bale, John Malkovich, Joe Pantoliano, Miranda Richardson, Nigel Havers, Leslie Phillips, Masatô Ibu, Emily Richard, Rupert Frazer, Ben Stiller
Productora            Warner Bros

Referencias:
-"David Lean, la emoción y el espectáculo", Tomás Fernández-Valentí, ed. Dirigido por...
-https://www.imdb.com/title/tt0092965/

Viejos tebeos

Decía el cineasta británico Michael Powell que "No hay tierra como la tierra de tu infancia." y añado que también, en su mayor parte, la adolescencia y juventud. De ahí que todos los recuerdos de esa época, según te alejas de ellos, empiezan a ser seleccionados y se quedan los mejores: no creo que los exageres y pienses que cualquier tiempo pasado fue mejor, solamente olvidas lo malo.
En lo bueno, una parte está en las lecturas y una gran parte de dichas lecturas (en mi caso) estaba y está en los comics.
Todo esto viene a cuento porque recientemente estaba en una feria del juguete antiguo (en realidad mis juguetes) y descubrí un viejo tesoro que creí perdido, un tebeo de casi treinta años, una joya (así lo definió el que me lo vendió, yo ya estaba convencido, no hacía falta) cuyo valor trasciende más allá de su calidad intrínseca para convertirse en un vehículo para el recuerdo, un DeLorean para viajar en el tiempo mientras lo disfrutas más que lo lees. Ese tesoro en forma de tebeo es la adaptación de la película de Tim Burton "Batman" (1989).
Cuando lo abro por primera vez después de tantos años descubro algo increíble: huele exactamente igual que olía cuando era su dueño. El tiempo no ha pasado, me sumerjo de nuevo en él, vuelven los recuerdos, rememoro sensaciones, me olvido de sus imperfecciones o de su carácter de producto coyuntural para pasar a un nivel de disfrute que, imagino, es el que sienten los coleccionistas de cualquier tipo cuando encuentran una rareza por la que siempre estuvieron anhelando.

Primera aparición del hombre-murciélago, mucho más espectacular sobre el papel

La verdad es que el trabajo tanto de Dennis O'Neill en el guion (un clásico de la casa que también adaptaría "Batman vuelve", "Batman Forever" y "Batman y Robin") y el dibujo de Jerry Ordway (aquí una entrevista con él) raya a gran altura, dejando a un lado la emoción que trae la añoranza la verdad es que es un tebeo excelente. Que envejezca bien tiene un enorme mérito.
Otro comic reencontrado, aunque este nunca estuvo perdido, es el Número especial 50 aniversario del hombre murciélago, editado, asimismo, por la editorial barcelonesa Zinco.
Formada por dos historias y con una introducción-homenaje al personaje que (imagino) es de la editorial hispana, cuenta con una espectacular portada de Jerry Bingham. Las historias en realidad son de comienzos de los 80:
- la primera, "El origen secreto del primer Batman" cuenta con guion de Roy Thomas y dibujos de Marshall Rogers. Tiene un estilo retro que le da un aire realmente elegante a la par que divertido por lo naif de los diálogos. Un evocador clasicismo propio de la Edad de Oro del cómic norteamericano.
- la segunda, "¡Infierno y muerte!", es más hija de su tiempo (publicada en EE.UU. en 1983) aunque no rehuye tampoco los detalles "clásicos" como es la presencia de Robin y la resolución un poco al estilo Scooby- Doo. Lo más interesante de la misma es la existencia de dos Batman en dos Tierras alternativas y el contraste de estilos entre ambos, enfrentado a un malvado de aspecto algo ridículo, todo hay que decirlo. El guion corre a cargo de Mike W. Barr (autor de otra obra de culto, "Batman, el hijo del demonio") y el  dibujo del polivalente Dave Gibbons. La obra se completa con una cronología de Batman en Tierra-2 que intenta hacer compatible los dos Batman "matando" a uno de ellos. Cosas de los comics de superhéroes: tarde o temprano hay que empezar otra vez de cero.

El Mundial de Rusia y otras cosas del fútbol

Imágenes que creíamos nunca volverían a darse. Perdiendo en octavos otra vez.

El Mundial de 2018 celebrado en Rusia es historia y no precisamente por el nivel de fútbol que pudimos contemplar. El que (se suponía) iba a ser la competición que acabara con las polémicas arbitrales y con la sabia aplicación del VAR terminaría con los "errores flagrantes" demostró ser bastante manipulable porque se volvió ciego al llegar la fase decisiva del torneo y perjudicar claramente a España en el duelo con el anfitrión: hay cosas que nunca cambian. Con todo no es cuestión de cargárselo, sólo de aplicarlo mejor.Con respecto a nuestra selección decir sólo que lo que mal empieza suele acabar mal. Tenemos un, como poco, sospechoso nuevo presidente de la RFEF, que se cargó a Lopetegui por un ataque de cuernos, pensando en su orgullo y no en la selección de todos, así que luego todo fue degenerar y venirse a abajo. También parece que el famoso tiki-taka y cierta generación de futbolistas deberían pasar a mejor vida (deportiva) o, por lo menos, ser sustituidos. El tedioso partido contra Rusia demostró lo que ya vimos contra Irán y Marruecos: somos un equipo previsible y lento. Vamos a ver que hace Lucho con la selección ahora, cualquier escenario es posible.

"Y desde aquí controlamos todo hasta que nos llama Putin"

De las demás selecciones, poco que destacar:- Francia fue una merecida pero poco brillante ganadora, sus estrellas por fin dieron la talla y lo hicieron de manera solidaria, como un auténtico equipo. Mbappé, Giezmann y Pogba salen reforzados, lo mismo que los más anónimos Lloris, Pavard y Kante.
- Croacia se ganó los corazones de todos, murió con la cabeza alta pero no daba más de sí. Los pobres se tragaron tres prórrogas, algunas contra equipos muy inferiores como Rusia o Dinamarca, lo que demuestra que les faltaba esa solidez que sí tuvieron los bleus.
- Bélgica aprovechó unos cruces fáciles y sólo ofreció sensación de gran equipo contra Brasil (en el que podría decirse que fue el mejor partido del torneo). Siguen siendo un equipo sobrevalorado y al que le faltan cosas para dar el salto por más que Courtois, Hazard y Meunier dieran sobradas muestras de su clase.
- Inglaterra ha vuelto a la élite, lo cual no es poco con lo que tiene. Kane se fue desinflado pero le dio para ser pichichi. También a destacar su portero Pickford y el central Maguire. El resto es un montón de jóvenes y algún bluff como Sterling. Su elegante seleccionador ha obrado un milagro.
- Sudamérica va de mal en peor, sólo Brasil demostró nivel competitivo pero un Neymar fuera de forma no pudo meterles en semifinales. Argentina dio ascopena y, más allá de los insultos a Sampaoli y el circo de Maradona, el que se fueran del Mundial resultó un alivio. La cantidad de patadas que dieron a Francia y el festival de juego sucio de Otamendi, Mercado y Mascherano deberían pasar a la historia como lo único llamativo que hicieron (¡hola Messi!). Uruguay fue un equipo sólido, violento y que vivió de Cavani pues Suárez sin el de Salto no fue más que un mal histrión. Colombia y México fueron muy irregulares, capaces de lo mejor y lo peor, quizá les sobraron ganas y les faltó fútbol a la hora de la verdad. Yerri Mina y Chicharito, héroes fugaces.
- Europa sigue prevaleciendo, lo cual se demuestra no sólo en que acaparan todos los semifinalistas sino en que selecciones tan mediocres como Dinamarca o Suecia llegaran tan lejos.
- Resto del mundo, nada o muy poco: Japón estuvo cerca de dar la campanada contra Bélgica pero fueron tan naïf que la cagaron, aún así resultaron un equipo competitivo; Corea ganó a Alemania, víctima del síndrome del conloquenoshandado y ya; África fue un desastre, especialmente Egipto, un bluff en toda regla, sólo Nigeria y Senegal ofrecieron algo aunque no les dio para llegar a octavos.
En resumen, un Mundial más entretenido por el espectáculo externo: Putin, Macron y la croata, Maradona, Neymar y su croqueta, los chistes del VAR, las cantadas de los porteros, que por el fútbol.

-"Muy bien todo pero en Turín no hace para ir a teta descubierta". -"Pues tú cómprate un gorro".

Iba a dedicarle un celebrities a Cr7 mas como se va del Madrid me parece demasiado. Gracias por todo, es un gran jugador, un ganador nato que nos hizo crecer en un momento muy fastidiado para el clú y en eso hay que estarle agradecido eternamente: es historia del Madrid al nivel de los más grandes futbolistas que vistieron esta gloriosa camiseta. Mas él fue el que se quiso ir, estaba triste, ya no rendía igual que antes y sus mejores años pasaron, aunque no deja de resultar curioso contemplar cierto fenómeno: los mismo que le acusaron de chulo y soberbio, los mismo "madridistas" que le silbaron cuando marcaba 50 goles al año pero no ganábamos la Champions, son ahora sus viudas. Da que pensar.
Y finalmente desearle lo mejor a Lopetegui en su andadura (esperemos que larga) como entrenador del Madrid. No lo tendrá fácil tras la sorprendente salida de ZZ pero, como dije de Cr7, gracias al francés y adiós. El Madrid, más pronto que tarde, seguirá ganando.

Oropesa del Mar, ¡qué guay!

Playa de La Concha y cabo de Oropesa del Mar

Levante tiene algo, será el Mediterráneo, el clima o la gente pero hay algo que me gusta, algo berlanguiano, profundamente español que, pese a no ser de allí, me hace sentir en casa. En dos palabras: me gusta.Oropesa del Mar está situada en la provincia de Castellón, muy cerca de la capital, linda con la conocida localidad de Benicasim y la famosa "Ciudad de vacaciones" Marina D'or. Cuenta con dos extraordinarias playas, ambas con bandera azul: Morro de Gos, más larga y abierta, y la Concha, más recogida y céntrica aunque las distancias entre ellas no son muy grandes. Además podemos encontrar varias calas para los que gusten de baños más íntimos. 
Oropesa es una localidad muy antigua, influida por los múltiples vaivenes de la historia: asentamiento en el paleolítico, fortificación en la invasión musulmana, abandono y posterior reconquista... su alto valor estratégico la hace importante y destacan en ella dos fortificaciones: la Torre del Rey, pequeña torre de piedra aportada en un acantilado desde el que se defendían sus habitantes de los piratas; y el Castillo de Oropesa del Mar, que fue inicialmente construido por los musulmanes y abandonado posteriormente por motivos de seguridad. Con unas impresionantes vistas tanto del mar como de la sierra, fue conquistado por personajes históricos como El Cid (1090) o el Rey Jaime I (1233). Actualmente se puede visitar todos los días. No queda mucho de él pero merece la pena.
También cuenta con dos museos: el Museo del Naipe, regentado por un amable ex-trabajador de la famosa fábrica de Heraclio Fournier en Vitoria, posee también una pequeña tienda en la playa del Morro de Gos (ahí trabaja su no menos amable hija); y el Museo de Oropesa del Mar, ambos en la parte alta de la localidad, la más coqueta con sus callejuelas típicas de pueblo costero y sin acceso a vehículos salvo residentes. No suele haber problemas para aparcar en las inmediaciones del castillo aunque ahora en julio empezaba la temible zona azul.
Uno puede darse una vuelta por Marina D'or por curiosidad o por los peques sin coger el coche gracias a uno de los trenes turísticos que hacen recorridos regulares, el que conozco para en la Playa de la Concha pero hay más.
No se debe marchar uno de Oropesa sin probar las oropesinas o desayunar en la pastelería Reys, en cualquiera de las dos que hay en el pueblo.

Finalmente decir que, como buena zona turística, tiene una amplísima gama de hoteles, apartamentos y casas en alquiler a gusto del gasto del consumidor, que nunca están demasiado lejos de la playa, además de un montón de tiendas, locales hosteleros y bares (eso menos). Está bien avituallada en cuanto a supermercados, hasta los domingos puedes encontrar algo abierto (Consum). Y para fans de Mercadona ahí está el de Marina D'or aunque aviso: en verano es la guerra.
Un lugar más que recomendable, unas vacaciones tranquilas, familiares y seguras en un lugar limpio.
Nota final: si van a visitar Peñíscola no vayan por la nacional, la autopista es cara (hasta que Snchz la rescate) pero la carretera es muy concurrida y si no se conoce, peligrosa.

CCC

La verdad es que envidio mucho a los catalanes por tener el placer de ser los únicos españoles que pudieron ver en abierto (y en un canal financiado con dinero de todos) la enorme hazaña lograda por el Real Madrid el fin de semana del 18 al 20 de mayo pasado. Menuda exhibición de coraje, cojones como casas (CCC) e inteligencia que hicieron los blancos en Belgrado.
Primero se cargaron aun CSKA millonario que encima empezó metiendo 30 puntos en el primer cuarto; luego, remontada a base de triples y, finalmente, una defensa para enmarcar, basándose en un quinteto (Doncic, Causeur, Taylor, Reyes, Ayón) que les asfixió defensivamente en el tercer cuarto.
Y luego en la final contra el todopoderoso Fenerbahce de Obradovic, un señor que tiene (tenía) las mismas Copas de Europa que el Madrid. Un partido en el que casi siempre se fue por delante y el cual Laso, todo hay que decirlo, ganó la batalla táctica. Los apuros finales se terminaron con un milagroso rebote de Thompkins (¡qué jugador!) tras fallar Causeur dos tiros libres.
Reconozco que he pedido la cabeza (cabezón) de Laso muchas veces y creo que con razón: llevábamos perdidos los cuatro últimos títulos disputados incluida la última Copa del Rey  ante un Barcelona en ruinas. Pero esta Final Four él ha sido un factor decisivo. Bueno, él y los jugadores que se sobrepusieron a las bajas durante meses de Llull, Ayón o el todavía inédito Kuzmic, añadido a la desgracia personal de Thompkins (su madre estuvo gravemente enferma toda la temporada y falleció justo después de la final). Si encima ganamos la liga, como parece que va a suceder, cerramos un año para mí a la altura del último triplete dadas las dificultades. Lo dicho, CCC.

85 - Real Madrid (21+17+25+22): Causeur (17), Doncic (15), Reyes (6), Campazzo, Ayón (4) -equipo inicial-, Randolph (3), Rudy (5), Carroll (9), Tavares (8), Llull (5), Thompkins (10) y Taylor (3).
80 - Fenerbahce (17+23+15+25): Wanamaker (14), Guduric, Kalinic (7), Vesely (3), Duverioglu (8) -equipo inicial-, Thompson, Melli (28), Sloukas (7), Nunnally, Muhammed (7) y Datome (6).
Árbitros: Luigi Lamonica (ITA), Borys Ryzhyk (UKR) y Olegs Latisevs (LET). Llull y Doncic eliminados por cinco personales.
Y en fútbol se cerró el círculo: campeones por 13ª vez, tercera consecutiva y primera vez que un club gana la Copa de Europa en las secciones de fútbol y baloncesto. en la misma temporada. 
Fue una temporada de sensacines fuertes, parecida a la primera de Zidane, con una desastrosa liga, regalada en enero. Lo mismo pasó con la Copa del Rey, tirada a la basura en un partido incomprensible ante el Leganés en casa, con una de las alineaciones más suicidas que recuerdo.
Así las cosas entrábamos en un terreno conocido ya por el madridista del S. XXI: la temporada al todo o nada de la Champions. Así pues los sucesivos sorteos nos fueron poniendo por delante siempre a los peores rivales posibles, es decir, PSG, Juventus y Bayern.
Todo el mundo nos menospreció, los entendidos (Segurola, Menotti, Valdano, Relaño, Robinson), los rivales, los antis ... y todos quedaron retratados. Al PSG lo derrotamos muy sufridamente en el Bernabéu para luego hacer un partido primoroso en París. En Turín nueva exhibición, 0-3, que parecía que sentenciaba pero no, en casa la liamos y un penalti (clarísimo) en el último minuto nos salvó. He aquí una de las constantes de la temporada, vivir en el alambre y salir victoriosos. Mientras en Liga seguíamos haciendo el ridículo (terminamos a 17 ptos. del Farsa) en Europa continuaban las gestas: victoria en Múnich y, con gran sufrimiento, se eliminó al Bayern plantándonos en Kiev ante un inesperado rival como era el Liverpool.
Como contra el Atlético en años anteriores, eran el equipo simpático y hasta para algunos favorito. A Klopp hay que reconocerle su capacidad para sacar lo máximo de un grupo de futbolistas no excelsos y llevarlos hasta donde pudo. Con Salah a por el Balón de Oro y siendo muy peligrosos por alto, a los ingleses les condenó la lesión de su estrella, el escaso talento de su mediocampo (salvo Milner) y un portero que tuvo su peor noche.

Sin embargo no hay que caer en el fácil análisis de que los fallos ajenos nos dieron el triunfo: Benzemá estuvo listo y Bale tiró de lejos porque cualquiera que hubiera visto la eliminatoria Roma- Liverpool sabría que el equipo inglés tenía un portero inseguro. 
Me alegré mucho por Bale al ver el segundo gol, probablemente una de las mayores maravillas jamás vistas en una final continental, tapando bocas y demostrando lo que es: un supercrack mundial. Sé que tiene pie y medio fuera del equipo y no me gustaron sus declaraciones al fin de partido pidiendo minutos por más que no le falte razón, pero cuánto voy a echar de menos sus interminables galopadas, sus disparos contundentes y su nunca valorado esfuerzo defensivo. Adiós Gareth, diste más de lo que nos merecíamos.
Mas volviendo al partido creo que fuimos mejores durante al menos 60 minutos por más que a Antic o Menotti les dé rabia. Da igual, somos tan buenos que no necesitamos que nos digan lo evidente, tenemos la mejor plantilla y poniendo CCC es muy difícil que perdamos.
Real Madrid, 3: (Benzema y Bale (2))
Keylor Navas, Carvajal (Nacho, m.37), Varane, Sergio Ramos, Marcelo, Casemiro, Kroos, Modric, Isco (Bale, m.61), Cristiano Ronaldo y Benzema (Marco Asensio, m.89).
Liverpool,1: (Mané)
Karius; Alexander-Arnold, Lovren, Van Dijk, Robertson; Henderson, Milner (Emre Can, m.83), Wijnaldum; Salah (Lallana, m.30), Firmino y Mané.
Goles: 1-0, m.50: Benzema. 1-1, m.55: Mané. 2-1, m.63: Bale. 3-1, m.83: Bale.
Árbitro: Milorad Mazic (SRB). Amonestó a Mané (82) por el Liverpool. Incidencias: final de la Liga de Campeones 2017/18, disputada en el Olímpico de Kiev ante la presencia de 60.000 espectadores.
Coda: de La Diva CR7 hablaré próximamente, se merece un celebritis.

La reina de la ciencia-ficción

Aunque la actual ola de feminismo radical me provoca más rechazo que otra cosa, uno no deja de sorprenderse cuando se entera de ciertas cosas sobre algunas personas, descubriendo que tiene prejuicios en temas que creía superados. Durante muchos años di por sentado que en el muy masculino mundo del cine (sobre todo clásico) el guionista Leigh Brackett, autor de los guiones de "El sueño eterno" (1955, Howard Hawks) o "Río Bravo" (ídem, 1959) era un hombre, máxime teniendo en cuenta lo viril de las tramas protagonizadas por Humphrey Bogart y John Wayne: no podía estar más equivocado, pues Leigh Brackett era una estupenda escritora, además de guionista, a quien los fans del género fantástico debemos el mejor argumento de la saga STAR WARS: El imperio contraataca (1980, Irvin Kershner).

Leigh en su época juvenil

Leigh Douglass Brackett nació el 7 de diciembre de 1915 en Los Ángeles, aunque se crió cerca de Santa Mónica. Nacida en el seno de una familia de clase media-alta, pronto sufrió un duro revés en su vida: en 1918, la famosa epidemia de Gripe Española se lleva a su padre. Su familia empezó a tener problemas económicos, se mudó en varias ocasiones lo que motiva que tenga una educación intermitente hasta los 13 años, en la que fue internada en un colegio sólo para chicas. Desde joven se inclina por la actividad física y deportiva, es atleta y jugadora de voleibol pero sobre todo es una enamorada del mar y una consumada nadadora, de hecho se ganó su primer jornal dando clases de esta disciplina. Ella es muy distinta a su madre, una mujer esbelta y bella; Leigh es alta, atlética, algo marimacho (siempre llevó el pelo muy corto) y con un carácter algo rebelde.
Se introduce en la sci-fi leyendo historias de Edgar Rice Burroughs y H. Rider Haggard, lo que la lleva, muy joven, a escribir sus propias aventuras fantásticas. Varios de estos primeros trabajos fueron leídos por Henry Kuttner, quien hizo reseñas de sus historias y la presentó a las personalidades del mundo editorial de San Francisco, incluyendo a otro (entonces desconocido) aspirante a escritor, Ray Bradbury.
No es hasta los años 40 cuando logra vender sus primeras historias a revistas pulp,siendo la mayoría romances interplanetarios, lo cual no la dio demasiado éxito. Su familia la animaba a escribir historias "para mujeres" mas ella respondía que no era capaz y que lo lamentaba, pues estaban mejor pagadas que las de ciencia-ficción.

Howard Hawks, Martha Vickers, Brackett, Bacall, Bogart y Louis Jean Heydt repasan el guion de "El sueño eterno"

En busca de otras fuentes de ingresos comienza a escribir historias de detectives. Su primera venta fue en 1942, un cuento llamado "Asesinato en la familia", para la revista Mammoth Detective, a la que siguieron algunas más. En una época en la que los autores de ciencia ficción tenían problemas para publicar fuera del mercado de las revistas del género, ella no tenían tales barreras, Brackett supo ver el futuro en la novela negra y policial. Su primera novela, No good from a corpse, se publicó por primera vez en 1944, atrayendo la atención del director y productor de Hollywood Howard Hawks. Una amiga de una librería sabía que Hawks buscaba material nuevo, con frecuencia compraba montones de novelas de misterio, y agregó su libro a la pila. Intrigado por su historia, Hawks contrató a Brackett para escribir el guión de una adaptación de la novela de Raymond Chandler, "El sueño eterno", que ella coescribió con William Faulkner. Aquí comienza su intermitente época de guionista.
Tanto al director como al protagonista (Bogart) les sorprendió que el autor de los brillantes y ácidos diálogos fuera una mujer, de hecho Bogart le pidió a Brackett que reescribiera algunos diálogos de Faulkner por "blandos". Se había ganado su confianza y admiración. La escritora californiana volvería a colaborar con Hawks en Rio Bravo (1959), ¡Hatari! (1962), El Dorado (1966) y Rio Lobo (1970). Además adaptaría nuevamente a Chandler en El largo adiós (Robert Altman, 1973).

Pero a Brackett lo que le interesa de verdad es la ciencia-ficción y sobre todo una ciencia ficción más parecida a la fantasía heroica que a la científica. Su estilo es más cercano a su admirado Burroughs o al Conan de Robert E. Howard que a Asimov o Arthur C. Clark. Esto se ve en la que se puede considerar su obra mayor, la trilogía "El libro de Skaith" (1973-74), protagonizada por el aventurero John Stark, la cual es más una obra del género fantasía heroica o espada y brujería que scifi. La revista Planet Stories será durante 19 años su "centro operaciones", publicando montones de historias en ella, incluida una junto a Ray Bradbury (Lorelei of the Red Mist), escritor con el que entabla una gran amistad y con el que comparte un estilo poco preocupado por el "realismo" científico.
Los 50 es la época más feliz para ella: "Todos en el género me recibieron con los brazos abiertos. Todos, escritores y editores y todos fueron geniales porque éramos un club pequeño en esos días, era como encontrar a otro loco con el que pudieras hablar de ello, fue genial ". En esa época se casa con el también escritor de ciencia-ficción Edmond Hamilton, siendo Bradbury el padrino de la ceremonia. Hamilton encontró trabajo escribiendo para DC Comics, además de relatos cortos aunque nunca colaboró con su esposa, tenían estilos de escritura muy distintos. Y así llegamos a los años 70 con una nueva edad de oro del género gracias a "La guerra de las galaxias" (1977).
Contratada por el director de la primera película, George Lucas, parecía ser la opción perfecta: Brackett y su difunto esposo (Hamilton falleció en 1977) habían escrito en el subgénero de la space opera, lo cual fue una gran influencia en Star Wars. Brackett, encantada con la invitación, fue la responsable del primer borrador del guion, completándolo en 1978, poco antes de morir de cáncer, sin poder ver su último trabajo en la gran pantalla. Si no hubiera fallecido, estaba previsto que escribiera una de las primeras novelas derivadas de Star Wars sobre Leia Organa. Aunque el guion final es responsabilidad de Lawrence Kasdan y el propio Lucas, ambos destacan que las más importantes ideas del film las tuvo Brackett, especialmente la Ciudad de las Nubes donde sucede el clímax final y, por supuesto, el famoso duelo entre Darth Vader y Luke Skywalker con sorprendentes revelaciones.  

Leigh Brackett y su esposo Edmond Hamilton

Sirva este texto de pequeño homenaje a la que los americanos llaman the Queen of space opera y una de las mejores guionistas (hombre o mujer) de la historia del cine.
Referencias:
https://www.goodreads.com/author/show/22648.Leigh_Brackett
https://io9.gizmodo.com/happy-100th-birthday-to-leigh-brackett-the-queen-of-sp-1746714014

Cazafantasmas: la trilogía

Para M.
La década de los 80 empieza a estar excesivamente mitificada en materia cinematográfica, incluso da la impresión de que los sucesivos remakes y secuelas de los films de dicha época son más productos de marketing que otra cosa. No obstante hay excepciones y en Dacosica somos muy fans de los Cazafantasmas, su continuación "genuina" y su mal llamado reboot femenino que, sin ser una maravilla, no se merece la desconsideración que obtuvo en el momento de su estreno. Así que ahí vamos con un modesto y cariñoso homenaje a estas tres películas que cometieron el delito (para ciertos críticos y personajes del cine) de entretener y dar dinero.
Cazafantasmas (1984, Ivan Reitman) es, lo primero, fruto de la imaginación de Dan Aykroyd y Harold Ramis, ambos exitosos cómicos y guionistas. Merece la pena detenerse en el malogrado Ramis (1949-2014), que se hizo famoso en el programa de la TV canadiense "Second City", donde coincide nada menos que con John Candy, Eugene Levy o Rick Moranis, el cual incorporaría con enorme acierto el papel de Louis Tully, hilarante vecino de Dana (Sigourney Weaver), en las dos primeras partes de la saga. Luego comienza una exitosa carrera de escritor satírico en la revista National Lampoon, su salto al cine era algo lógico dado el enorme éxito del producto.
La segunda pata del proyecto es el director canadiense Ivan Reitman, también productor de "Desmadre a la americana" (National Lampoon's Animal House, John Landis), que venía de un éxito sorpresa junto a Ramis (guionista) titulado "El pelotón chiflado" (1981).  Con el dinero que ganaron se juntaron con Aykroyd (aficionado a lo paranormal) para escribir un guion de ciencia-ficción y comedia que tendría como último pilar al cómico del momento: su amigo Bill Murray. Iba a ser una comedia donde se juntarían con los otros dos grandes actores cómicos de la década: John Belushi y Eddy Murphy mas el repentino fallecimiento del primero en 1982 y la apretada agenda del segundo, unido a la larga preproducción de un film bastante costoso y con muchos efectos especiales terminaron con Ramis como co-protagonista.

Los Cazafantasmas es un film que define perfectamente lo que fue el cine de entretenimiento (de calidad) en los 80: cómicos en estado de gracia (aquí Murray improvisa casi todos sus diálogos), trama muy básica, excelente acabado formal (el compositor Elmer Bernstein, el director de fotografía de Lazslo Kovacs), secundarios memorables (Annie Potts, David Margulies) y un famosísimo tema principal, "Ghosbusters" de Ray Parker, Jr. Una película con momentos aún hoy muy recordados, empezando por la primera aparición fantasmal en una biblioteca, la escena en el hotel con el fantasma Mocoso, la transformación de Dana en una sexy Guardiana de la Puerta (y su encuentro con Venkman), las continuas mofas de Venkman hacia toda autoridad o el memorable final contra el gigantesco muñeco de Marsh Mallow. Fue el gran éxito del 84, recaudó nada menos que 240 millones de US$ solamente en EE.UU. y dio pie a una exitosa serie animada. Era lógico que hubiera una continuación más pronto que tarde, y fue tarde.
La razón principal para que pasaran nada menos que cinco años entre una película y otra tiene nombre y apellidos: David Puttnam. El presidente de Columbia Pictures entre 1986 y 1988 era (es) un millonario miembro del partido laborista británico al que no le gustan nada las películas de "entretenimiento". Fue más allá cuando, en un almuerzo de la Cámara de Comercio británico-estadounidense, dijo que Bill Murray era un actor que "saca millones de las películas pero no le devuelve nada al cine" lo cual no sentó nada bien al protagonista de "Atrapado en el tiempo". Cuando Puttnam es finalmente despedido de la Columbia, el proyecto se pone en marcha ya con los cuatro actores principales en ella y con Ernie Hudson con más papel en esta segunda parte.

Cazafantasmas 2 (1989, Ivan Reitman) es una continuación al uso: intenta ahondar en lo que ya funcionó en la primera parte, gasta más dinero y no arriesga. Los efectos visuales mejoran, el guion es algo más trabajado (no mucho) y se busca dar a los fans de la primera lo que piden. Hay cosas en este film que destacar: por un lado está la trama, pues realmente el que sea un bebé quien se vea amenazado por el malo le da un toque siniestro. El mismo malo, es realmente terrorífico, aunque tenga su contrapunto cómico en un Peter MacNicol tan gracioso como grimoso. No menos interesante es la idea de que toda la mala leche acumulada por los neoyorkinos tome forma en un río de mocos que se pone contento con canciones alegres (?). Murray, además, muestra en algunas secuencias todo su arsenal humorístico, como por ejemplo la sesión de fotos al cuadro o su desternillante escena de presentación como presentador de un programa sobre fenómenos paranormales.
Mas son evidentes los síntomas de cansancio y hay no pocos defectos: el forzado intento de convertir a Venkman en un hombre responsable que retoma su relación con Dana; la repetición de la idea de que un empleado del ayuntamiento trate de desacreditar a los protagonistas (internándolos en un psiquiátrico bajo el tratamiento de Bryan-Doyle Murray, hermano de Bill); el desaprovechamiento de Rick Moranis, transformado en un bufón sin interés; la ausencia de Elmer Bernstein en la banda sonora y un exceso de efectos visuales que terminan por ser más importantes que la historia (ver el final).
Con todo, el resultado fue un taquillazo que recaudó 215 millones de US$ en total y que sería el mejor estreno de la historia... hasta que a la semana siguiente se estrene "Batman" (Tim Burton).
Todos los protagonistas y responsables del proyecto se dedicaron durante las dos siguientes décadas a otros quehaceres mas siempre hubo rumores de una tercera parte con los mismos actores, sobre todo con la moda del revival de los 80. La duda era si hacer una película nueva con otros actores o una continuación. El fallecimiento de Harold Ramis en 2014 precipitó los acontecimientos y se decidieron por lo primero, algo que, paradójicamente, beneficia al nuevo film.

Cazafantasmas (Paul Feig, 2016) se vio perjudicada ya desde el comienzo por una (supuestamente) espontánea campaña de desprestigio lanzada por los fans de las antiguas películas, la cual se recrudeció por el tráiler que, la verdad, no le hizo ningún favor pues potenciaba el feminismo (!) de la propuesta por encima del propio valor de la película.
Partiendo de lo difícil que lo tenían Faig y su equipo y de lo anteriormente comentado no me cabe ninguna duda de que la película es más que digna, un film que mereció mejor suerte y uno de tantos casos de producto prejuzgado de antemano sin verlo. La película recaudó más de 200 millones de US$ si bien es cierto que costó la friolera de 144 millones más publicidad. Probablemente acabe siendo rentable pero lejos de sus predecesoras.
Concentrándonos en la película hay que destacar varios detalles que la hacen interesante, el primero de ellos el cuarteto protagonista, todas ellas excelentes actrices cómicas surgidas del Saturday Night live, que lo dan todo (y se nota) por hacer reír incluso cuando las situaciones no dan para más. Otra cosa a destacar es que, pese a que la línea argumental se asemeja a las anteriores, busca por momentos "volar libre" sobre todo la primera mitad y dar relieve a la relación entre las dos auténticas protagonistas del film: Melissa McCarthy y Kristen Wiig.  
También se nota que este film va enfocado a otro tipo de audiencia, si los dos anteriores eran más infantiles (sobre todo el segundo) y para todos los públicos, éste es más gamberro, con un humor más pueril y soez. Y aquí empieza lo malo.
Feig es un director de la llamada nueva comedia americana y los que ya tenemos una edad igual no le vemos tanto la gracia a sus películas. Además, es una film muy aparatoso, con demasiados efectos visuales además de tener un metraje más que excesivo que, eso sí, rinde pleitesía con distinta fortuna a los protagonistas de las películas anteriores –Bill Murray, Dan Aykroyd, Sigourney Weaver, Ernie Hudson y Annie Potts– quienes hacen sendas “apariciones especiales” interpretando nuevos personajes.
Al parecer la película va poco a poco ganando adeptos y el propio Feig decía hace un par de días que estaba muy orgulloso de ella y estaba dispuesto a rodar una secuela. Seguiremos el desarrollo de los acontecimientos y si vemos algún fantasma... Who you gonna call?
Referencias:
DVD Los Cazafantasmas, SONY entertainment network (2012)
IMDB: https://www.imdb.com/title/tt0087332/
Hobby consolas: https://www.hobbyconsolas.com/noticias/paul-feig-todavia-quiere-hacer-secuela-cazafantasmas-204812